El Oscar honorífico polémico de Elia Kazan

El período de la historia de Hollywood conocido como “caza de brujas” dejó una huella indeleble en la industria de entretenimiento más potente del mundo. Y a la sazón, una industria liberal y progresista que reunía en su seno a los mejores artistas norteamericanos del siglo XX. Pero en éstas que llegó el senador Joseph McCarthy. Un acomplejado borracho que, a pesar de estas virtudes, no llegó a presidente de su país. Pero sí lideró un absurdo “Comité de Actividades Antiamericanas” y acuñó toda una época con su nombre, “el maccarthysmo”, que convirtió, a caballo entre los años 40 y los 50, a la fábrica de los sueños en una fábrica de pesadillas. Y uno de sus más curiosos luciferes fue Elia Kazan.



A finales de los 90 le llegó un Oscar honorífico. Se lo merecía, como también se mereció la controversia que originó la concesión del galardón. Porque los premios están bien como reconocimiento, pero también sirven para remover la memoria y para señalar, para bien o para mal, a los homenajeados. Si no hubiera habido controversia, mal para Hollywood. Se le atragantó el Oscar a Kazan. Un castigo mínimo para que supiera que, a pesar de su público arrepentimiento, la gente sabía muy bien quiénes habían sido los culpables y quiénes las víctimas.

¿Quién era Elia Kazan?

ELIA KAZAN (1909-2003) Director, productor, guionista, actor y escritor, Elia Kazan (de apellido real Kazanjoglou) nació en Estambul (Turquía) el 7 de septiembre de 1909. A los cuatro años emigró con sus padres, de nacionalidad griega, a los Estados Unidos. Después de acudir al Williams College y estudiar interpretación en la Universidad de Yale, Kazan se unió al Group Theatre, en donde comenzó su trayectoria como intérprete teatral, que en los años 40 amplió con algunas películas cinematográficas, como “Ciudad de conquista” (1940) o “Blues in the night” (1941), ambos títulos dirigidos por Anatole Litvak.

En 1932 contrajo matrimonio con Molly Day Thatcher y a mediados del decenio comenzó a destacar como director escénico, triunfando en Broadway con adaptaciones de “Un tranvía llamado deseo”, “Muerte de un viajante” o “La gata sobre el tejado de zinc”, en las cuales sobresalía como excelentes director de intérpretes.

Su talento teatral no pasó desapercibido para los estudios de Hollywood, debutando en el cine como director con “Lazos humanos” (1945), versión cinematográfica de la novela de Betty Smith por la cual el actor James Dunn logró el Oscar al mejor actor secundario.

Dos años después de este debut fílmico, Elia creó en Nueva York junto a Lee Strasberg el Actors Studio, vivero de importantes intérpretes significados en la figura de uno de sus actores habituales, Marlon Brando, quienes desarrollaban sus actuaciones mediante el método del director teatral ruso Konstantin Stanislavski.

Sus siguientes películas en los años 40, producidas por Darryl F. Zanuck, conformaron una serie de títulos que consagraron a Elia Kazan como uno de los mejores directores del momento, casi siempre adoptando obras literarias que abordaban temas de importante calado social, como “La barrera invisible” (1947), película con Gregory Peck, Dorothy McGuire y John Garfield que abordaba el antisemitismo, o “Pinky” (1949), drama racial interpretado por Jeanne Crain, Ethel Waters y Ethel Barrymore, tres actrices que serían nominadas a la estatuilla de la Academia de Hollywood. “La barrera invisible” fue galardonada con varios premios Oscar, entre ellos a la mejor película, mejor dirección y mejor actriz secundaria para Celeste Holm. Otros títulos rodados por Kazan en este período fueron “El justiciero” (1947), un título de misterio protagonizado por Dana Andrews, y “Mar de hierba” (1947), película con la pareja Spencer Tracy/Katharine Hepburn como estrellas principales.

Los años 50 prosiguieron la excepcional trayectoria de Elia Kazan como director, a pesar del desprestigio sufrido a partir de 1952 entre parte de sus compañeros de profesión por haber delatado a varios de sus antiguos camaradas en el Partido Comunista, al que perteneció durante sus primeros tiempos teatrales.
Ante sus primeras negativas para revelar nombres y tras amenazas y presiones de cercenar su trayectoria profesional en Hollywood, Elia terminó finalmente colaborando con el Comité de Actividades Antiamericanas.
Algunos nombres citados por Kazan fueron los de John Garfield, Lee Strasberg, Lillian Hellman o Clifford Odets.

Con anterioridad a estos tristes sucesos, Kazan había dirigido tres magistrales películas. “Pánico en las calles” (1950), con Richard Widmark, Paul Douglas y Barbara Bel Geddes, la traslación de “Un tranvía llamado deseo” (1951) de Tennessee Williams con Marlon Brando y Vivien Leigh como pareja protagonista, y “¡Viva Zapata!” (1952), biopic de Emiliano Zapata, quien fue encarnado de manera excepcional por su amigo Brando. Por “Un tranvía llamado deseo” Elia volvió a ser nominado al Oscar como mejor director. La estatuilla fue en esta ocasión para George Stevens por su trabajo en “Un lugar en el sol”. Vivien Leigh, como mejor actriz principal, y Karl Malden y Kim Hunter, en la categoría de secundarios, sí lograron el premio de la Academia por sus interpretaciones.

Gracias a “¡Viva Zapata!”, película escrita por John Steinbeck, Anthony Quinn consiguió el Oscar al mejor actor secundario. De nuevo Marlon Brando, al igual que en “Un tranvía llamado deseo”, fue nominado pero no logró el galardón, hecho que haría por “La ley del silencio” (1954), una controvertida alegoría que Kazan emplearía para justificar su proceder en la Caza de Brujas. “La ley del silencio” ganó el Oscar a la mejor película, Eva Marie Saint consiguió el Oscar como mejor actriz secundaria y Elia Kazan alcanzó su segundo premio como mejor director.

En los años 50 también rodó “Fugitivos del terror rojo” (1953), uno de sus títulos menos conocidos y de menor interés, centrado en una diatriba anticomunista protagonizada por Fredrich March y Gloria Grahame; “Al este del Edén” (1954), inspirada adaptación del clásico de Steinbeck que lanzó al estrellato a James Dean y se convirtió en su primera película como productor; “Baby Doll” (1956), escabroso drama de Tennessee Williams con Carroll Baker, Eli Wallach y uno de sus actores fetiche, Karl Malden; o “Un rostro en la multitud” (1957), un estupendo título escrito por Budd Schulberg con Andy Griffith, Patricia Neal y Anthony Franciosa.
Por “Al este del Edén” Elia volvió a ser nominado al Oscar. El ganador en esta ocasión fue Delbert Mann por “Marty”.

Después de tres años sin dirigir, Kazan retornó al cine con “Río Salvaje” (1960), un film co-protagonizado por Montgomery Clift y Lee Remick, continuado por “Esplendor en la hierba” (1961), película romántica con Warren Beatty y Natalie Wood como pareja estelar que le valió un Oscar a William Inge como mejor guionista, y “America America” (1963), cinta nominada al Oscar como mejor film del año. Esta última película, centrada en una familia de inmigrantes y basada en su propia novela de carácter autobiográfico, también le valió una quinta nominación como mejor director, consiguiendo el Oscar e británico Tony Richardson por “Tom Jones”. En 1963 falleció su esposa Molly y cuatro años más tarde volvió a casarse. Su nueva esposa fue Barbara Loden.

“El compromiso” (1969), título que volvía a adaptar un texto escrito por el propio Kazan protagonizado por Kirk Douglas, Faye Dunaway y Deborah Kerr, y “Los visitantes” (1972), con Patrick McVey, Patricia Joey y James Woods, fueron dos de los últimos trabajos de este maestro cinematográfico, que se despediría con “El último magnate” (1976), película basada en una novela de Francis Scott Fitzgerald que contaba con un espléndido y extenso reparto encabezado por Robert de Niro, Robert Mitchum, Tony Curtis, Jeanne Moreau, Ray Milland, Donald Pleasance, Dana Andrews o John Carradine.

En 1980 Kazan volvió a enviudar. En el año 1999 la Academia de Hollywood le otorgó un Oscar honorífico.
El 28 de septiembre del año 2003, Elia Kazan, un personaje controvertido pero un auténtico gigante del séptimo arte, falleció a la edad de 94 años.

Películas criticadas

Pinky (1949)
Un tranvía llamado deseo (1951)
Viva Zapata (1952)
La ley del silencio (1954)
Al este del Edén (1955)
Baby Doll (1956)

Los primeros premios Oscar

La primera edición de los Premios Osacar se celebró en 1927.

Para el período 1927-28, todos los premios podían ser por una única película o por varios logros, o por el cúmulo de trabajo durante el año en cuestión. A todos los logros que no recibieron el primer premio se les confirieron certificados de "Mención Honoraria".

Estas fueron las nominaciones de ese año:
(Los asteriscos representan a los ganadores)

Mejor película
* Alas. Paramount Famous Lasky
La horda. The Caddo Company
El séptimo cielo. Fox

PELÍCULA
(Premio al estudio)

WINGS (Alas, 1927)
Producida por Lucien Hubbard.
Dirigida por William A. Wellman.
Con Clara Bow, Charles "Buddy" Rogers, Richard Arlen, Gary Cooper, Jobyna Ralston, El Brendel.

Wings fue la primera ganadora del premio a la Mejor Película. Es un espectáculo que incluso hoy vale la pena ver. Narra la historia tradicional de un triángulo amoroso que involucra a dos amigos y compañeros de armas en la Primera Guerra Mundial (Charles "Buddy" Rogers y Richard Arlen) y una mujer, interpretada por la famosa chica "It" de Hollywood, Clara Bow. En un papel secundario impactó la presencia de un Gary Cooper muy joven. El efecto del despliegue técnico de las escenas de combate aéreo, terrestre y explosiones fue tan impactante para el público de la época como lo fue el realismo de las escenas de la siguiente conflagración mundial en Saving Private Ryan (Rescatando al soldado Ryan, 1998) tantos años después.

Típico híbrido de la época, Wings incluye escenas con toques de color para dar más vida a las explosiones y escenas bélicas, efectos sonoros y un fondo musical. En algunas salas de proyección había máquinas especiales que agregaban aun más efectos sonoros. La idea era sorprender a un público ávido de experimentar las crecientes posibilidades de la pantalla. Y lo lograron con creces.

Película única y artística
* Amanecer. Fox
… Y el mundo marcha. Metro-Goldwyn-Mayer
Chang. Paramount Famous Lasky

CALIDAD ARTÍSTICA DE PRODUCCIÓN
(Premio a la Compañía Productora o al Productor. Único año en que se otorgó).

SUNRISE - A Song of Two Humans (Amanecer - El canto de dos almas, 1927)

Producida por: William Fox. Dirigida por: F. W. Murnau Con George O'Brien, Janet Gaynor, Margaret Livingston, J. Farrell MacDonald, Sally Eilers, Barry Norton y Bodil Rosing, El afamado director F. W. Murnau llevó al celuloide este melodrama en que un granjero (George O'Brien) es tentado por una mujer de la gran ciudad (Margaret Livingston), quien trata de convencerlo de asesinar a su esposa para poder disfrutar la vida juntos. Eventos dramáticos y moralistas se suceden, con una feliz conclusión. Fox lanzó este film como el de más prestigio de su producción para ese año y ganó este premio que nunca más se volvió a otorgar, a la calidad de producción. La protagonista, Janet Gaynor, tuvo otros dos éxitos resonantes (fue designada Mejor Actriz por los tres films). Resulta extraño que los dos directores de las mejores películas de este período no hayan recibido el reconocimiento de la Academia por su labor. Ni William A. Wellman ni F. W. Murnau fueron nominados como Mejor Director. Murnau nunca recibió ninguna candidatura, y Wellman fue nominado 3 veces con posterioridad, pero nunca ganó la estatuilla.

NÓMINA COMPLETA:
* SUNRISE (Fox)
THE CROWD (MGM)
CHANG (Paramount Famous Lasky)

NOTA: Hasta años recientes figuraban como nominadas en la categoría Mejor Película The Last Command y The Way of All Flesh, pero a partir de todos los cambios y revisiones que hemos mencionado, ya no figuran como nominadas en la base de datos de la Academia, sin explicación alguna. Adicionalmente, en fuentes recientes, incluso de la Internet, se considera que para este primer año de los premios de la Academia fueron dos las Mejores Películas: Wings y Sunrise.
CHARLES CHAPLIN: Al anunciarse las nominaciones, Charles Chaplin figuraba nominado como Mejor Actor y Mejor Director de Comedia, pero el 19 de febrero de 1929 la Academia le envió una carta en que le comunicaba la decisión unánime de "eliminar su nombre de las categorías competitivas, y que se le entregue un primer premio especial por escribir, protagonizar, dirigir y producir The Circus. El logro demostrado lo ubican en una clase individual y única".

Mejor dirección (película dramática)
* Frank Borzage por El séptimo cielo
Herbert Brenon por El capitán Sorrell
King Vidor por … Y el mundo marcha

DIRECTOR

FRANK BORZAGE (7^th Heaven)

Frank Borzage nació en Salt Lake City el 23 de abril de 1893. fue hermano del asistente de dirección Lew Borzage y del actor Danny Borzage. Entre sus primeros logros se cuentan este film que le valió el premio de la Academia y Street Angel (El ángel de la calle, 1927), ambos protagonizados por Janet Gaynor. Sus inicios fueron auspiciosos, y se especializó en filmar películas dramáticas y románticas, a las cuales les imprimía su toque personal, que hoy es considerado anticuado. Otras de sus películas mudas de importancia son Lucky Star (Su buena estrella, 1929), con la dupla Gaynor-Farrell, y The River (El río de la vida, 1929), con Farrell. Con la llegada del cine sonoro se destacó en Liliom (1930),con Charles Farell, y Bad Girl (1931), por la cual ganó un segundo Oscar® al Mejor Director de 1931–32. Curiosamente, ninguno de estos dos films se estrenó en la Argentina. No obstante, Liliom se estrenó en Uruguay como Lilliom – Más allá de la muerte.

Mejor dirección (comedia)
* Lewis Milestone por Hermanos de armas
Ted Wilde por Relámpago

LEWIS MILESTONE (Two Arabian Knights)

Lev Milstein nació el 30 de setiembre de 1895 en Rusia. Durante la Primera Guerra Mundial trabajó como fotógrafo del ejército. Decidido a probar suerte en Hollywood se inició como editor, director asisitente y guionista. Su debut fue en Seven Sinners (Los siete pecadores, 1925). Muy pronto llegaría la película por la cual fue designado como el único Mejor Director de Comedia de la historia de la Academia. Se trata de una joya olvidada, Two Arabian Knights (Dos caballerons árabes, 1927), protagonizada por William Boyd y Louis Wolheim, que interpretan a dos se escapan de una prisión disfrazados de árabes. Obviamente la Academia tenía mucho por que premiarlo, ya que si bien este film no fue nominado como Mejor Película, Milestone también dirigió The Racket (La Patota, 1927), que sí entro en el círculo de postuladas al mejor film. Dos años después, en la tercera edición de los premios, Lewis Milestone se volvió a encontrar entre los ganadores. Esta vez como Mejor Director por All Quiet On the Western Front (Sin novedad en el frente, 1930). Ya nos ocuparemos de seguir analizando su carrera en su oportunidad.

Mejor actriz
Louise Dresser por Emigrantes
* Janet Gaynor por El séptimo cielo, El ángel de la calle y Amanecer
Gloria Swanson por La frágil voluntad

ACTRIZ

JANET GAYNOR (7^th Heaven, Street Angel y Sunrise)

Janet Gaynor nació el 6 de octubre de 1906, en Filadelfia. Inició su carrera muy joven, actuando como extra. Su primer película por la cual obtuvo crédito en pantalla fue The Johnstwon Flood (La represa de la muerte, 1926). Captó la atención del jefe del estudio Fox y la tomó como su nueva estrella, con la esperanza de que sus rasgos angelicales la convirtiesen en la próxima Mary Pickford. Entre los varios films que protagonizó al año siguiente se encuentran los 3 por los cuales fue designada como Mejor Actriz. En 7th Heaven (El séptimo cielo – Los granujas de Montmartre, 1927) interpreta a una joven que vive martirizada por su hermana. Llega a su rescate un joven barrendero (Charles Farrell), quien la lleva a vivir a un séptimo piso. Este film fue un tremendo éxito de taquilla, al punto que Gaynor y Farrell hicieron otras 11 películas juntos. Una de ellas fue Street Angel (El ángel de la calle, 1927) , un melodrama en que Janet es arrestada en Nápoles por intentar vender su cuerpo para poder comprar medicinas para su madre. Se escapa de la cárcel y se une a un circo, donde conoce a Charles Farrell. La película que completa el trío triunfal para Gaynor es Sunrise – A Song of Two Humans (Amanecer – El canto de dos almas, 1927), la cual ya comentamos por ser ganadora del premio Calidad Artística de Producción.

Su carrera siguió coronada por el éxito, en films tales como Daddy Long Legs (Papá misterioso, 1931), The Farmer Takes a Wife (Doble conquista, 1935) y The Young in Heart (Jóvenes de corazón, 1938). En 1937 recibió su segunda y última nominación al Oscar®, como Mejor Actriz por A Star is Born (Nace una estrella), junto a Fredric March. La ganadora resultó Luise Rainer por The Good Earth (La buena tierra, 1937), pero el film fue un gran éxito, objeto de dos remakes: una en 1954 con Judy Garland y James Mason y otra en 1976 con Barbra Streisand y Kris Kristofferson. La carrera de Janet Gaynor podría haber continuado, pero después de casarse con el diseñador de vestuario Gilbert Adrian se retiró de la pantalla. Sólo volvió fugazmente, casi 20 años después, en un rol en Bernardine (El sueño que yo viví, 1957). Los años terminados en 7 parecen ser los de la buena suerte para esta actriz, ya que al cumplirse el 50 aniversario del Oscar®, fue homenajeada por la Academia, que la invitó, junto a Walter Matthau, a presentar el premio a la Mejor Actriz de 1977, que resultó Diane Keaton por Annie Hall (Annie Hall – Dos extraños amantes, 1977). Allí pudo disfrutar una vez más del aplauso y el reconocimiento de una industria agradecida a sus pioneros. Janet Gaynor falleció el 14 de setiembre de 1984.

Mejor actor
Richard Barthelmess por Última pena y El mundo que nace
* Emil Jannings por La última orden y El destino de la carne

ACTOR

EMIL JANNINGS (The Last Command y The Way of All Flesh)

Nacido el 23 de abril de 1884 en los Estados Unidos, Emil Jannings fue llevado a Suiza y después Alemania desde muy niño. En Alemania inició su carrera teatral, en pequeños roles y en compañías de gira. El éxito finalmente le sonrió al ingresar al Teatro Real Darmstadt de Berlín, donde interpretó a todos los clásicos. En 1925 el director Ernst Lubitsch le aconsejó aprovechar su prestigio para intentar triunfar también en el cine. Tal fue el suceso que eventualmente abandonó las tablas. Convertido en una de las grandes estrellas de la pantalla alemana, filmó por ejemplo Madame DuBarry (Madame DuBarry, 1919), dirigido por Lubistch y con Pola Negri en el protagónico. Otros films destacados fueron ambos dirigidos por F. W. Murnau: Der Letzte Mann (La última carcajada, 1924) y Faust (Fausto, 1926). El éxito mundial de La última carcajada llevó a los directivos de la Paramount a contratarlo por tres años. Fue así que pudo interpretar dos roles de lujo, que le valieron el primer premio Oscar® de la Academia al Mejor Actor.

En The Last Command (La última orden, 1927), de Josef von Sternberg, interpreta a un ex-general ruso que llega empobrecido a Hollywood y empieza a trabajar como extra. Allí es reconocido por un director de cine ruso, William Powell, con quien lo unen recuerdos no muy gratos. Y en The Way of All Flesh (De carne somos, 1927), de Victor Fleming, muestra el descenso a la autodestrucción del cajero de un banco, sumido en la ambición. Otro éxito importante de su paso por Hollywood fue The Patriot (Alta traición, 1929). Jannigns fue uno de los muchos intérpretes europeos que habían sido convocados a Hollywood cuyas carreras llegaron a un abrupto fin con el arribo del cine sonoro. Su fuertísimo acento alemán y escasos conocimientos del inglés lo condenaban a una terminación segura de su carrera. Decidió volver a Alemania. Incluso, como debía partir antes de la ceremonia de entrega de los premios de la Academia, le solicitó a la institución que se la entregasen por adelantado. Así lo hicieron, posó con ella y partió rumbo a Europa. Allí siguió haciendo películas, y se destacó en Der Blaue Enger (El ángel azul, 1930), de Josef von Sternberg.

El advenimiento del nazismo a Alemania signó su carrera para siempre. Gran favorito de Hitler, tuvo el poco tino de seguir actuando, incluso participando en películas de clara propaganda nazi. Al finalizar la guerra, si bien fue investigado y exonerado de cualquier delito, había perdido a su público. Falleció en Austria el 2 de enero de 1950.

Mejor guión (historia original)
Lajos Biro por La última orden
* Ben Hecht por La ley del hampa

Mejor guión (adaptación)
Alfred Cohn por El cantor de jazz
Anthony Coldeway por La bella de Baltimore
* Benjamin Glazer por El séptimo cielo

Mejor rotulación
Gerald Duffy por La vida privada de Elena de Troya
* Joseph Farnham [Nota: Esta nominación no va asociada a ninguna película en articular]
George Marion, Jr. [Nota: Esta nominación no va asociada a ninguna película en particular]

Mejor fotografía
George Barnes por La danzarina sagrada, La llama sagrada y La frágil voluntad
* Charles Rosher por Amanecer
* Karl Struss por Amanecer
[Nota: En esta edición, los galardones se otorgaron de forma nominativa y podían premiar el trabajo en una o más películas. Charles Rosher y Karl Struss fueron ambos nominados por la fotografía de Amanecer, lo que se consideró una única candidatura para la película]

Mejor dirección artística
Rochus Gliese por Amanecer
* William Cameron Menzies por El mejor caballero y Tempestad
Harry Oliver por El séptimo cielo

Mejores efectos de ingeniería
Ralph Hammeras [Nota: Esta nominación no va asociada a ninguna película en particular]
* Roy Pomeroy por Alas
Nugent Slaughter [Nota: Aunque no se indicó ningún título en particular durante la entrega ni en los resultados oficiales del Comité Central de Jueces, los registros de la Academia indican que habitualmente se menciona a Nugent Slaughter por su trabajo en El cantor de jazz]

Premio especial
* Warner Bros. por producir El cantor de jazz, la primera película hablada que ha revolucionado la industria

Premio especial
* Charles Chaplin, por protagonizar, escribir, dirigir y producir El circo
[Nota: La Junta de Jueces de la Academia decidió por unanimidad el 1 de agosto de 1928 que el nombre de Chaplin se eliminara de las categorías competitivas de este año y en su lugar le otorgó este galardón especial]

Origen de Los Oscar

El 4 de mayo de 1927 unos 36 profesionales de la industria cinematográfica convocaron una reunión para crear la "Academy of Motion Picture Arts and Sciences" con el objetivo de "mejorar la calidad artística del cine, crear una plataforma común para las distintas ramas y oficios de la industria, fomentar la investigación técnica y el progreso cultural".

La academia posee ahora unos 6.500 miembros procedentes de áreas dramáticas, técnicas y administrativas de la industria cinematográfica. Sus miembros son escogidos entre los que satisfacen ciertos requisitos definidos por cada departamento correspondiente de la academia. Aunque los profesionales de otros países también pueden asociarse a ella, la academia siempre ha estado muy vinculada a la industria cinematográfica de los Estados Unidos. Anualmente la academia otorga premios al mérito: los Premios de la Academia.

Una de las circunstancias que contribuyeron a que estos premios adquirieran más popularidad fue que nacieron en el transcurso del cine mudo al sonoro. Por ello, en la primera ceremonia todas las cintas seleccionadas eran mudas. Al año siguiente, el sonido inunda la entrega de los Oscar, por eso no es extraño que triunfara un musical como "Melodías de Broadway" de Harry Beaumont. La primera entrega de los Premios Oscar de la Academina se celebró el 16 de mayo de 1929 con un banquete en el salón Blossom del Hotel Hollywood Roosevelt de Los Angeles. A este acto acudieron 250 personas y fue la única ceremonia de la historia en la que no había medios de comunicación.

Durante las 15 siguientes entregas los premios se entregaron en el transcurso de cenas organizadas en los hoteles más importantes de Los Angeles. En 1942 el escenario de la entrega se trasladó a salas de teatro debido al aumento de asistencia.

Cedric Gibbons fue quien eligió el diseño de la estatuilla: un hombre desnudo posando con una espada y erguido sobre la bobina de una película con cinco pequeñas cavidades, cada una de ellas representando las secciones de las que se componía la Academia: actores, directores, escritores, técnicos y productores. El origen del sobrenombre "Oscar" no está claro, pero se dice que todo comenzó cuando Walt Disney, en la entrega de 1932-1933, lo bautizó así al recibirlo por "Los tres cerditos". Hasta ese momento no era más que un apodo cariñoso atribuido a la bibliotecaria de la academia quien comentó "Se parece a mi tío Oscar".

Inicialmente, el material elegido para realizar la estatuilla era el bronce, sin embargo, se tuvo que sustituir por yeso durante la Segunda Guerra Mundial debido a la falta de materiales. Hoy en día está bañada en oro de 14 kilates que hace que la figura tenga un acabado más pulido.

El famoso "Oscar" mide unas trece pulgadas y media (34,3 cm) y pesa cerca de nueve libras (4 kg). Su diseño no ha cambiado desde 1945, cuando se le realizó una modificación en el grosor del pedestal. A partir de 1949 estos galardones contienen un número de serie. Toda la academia participa en la votación de los premios. En la mayoría de las categorías de premios al "mejor", los socios involucrados en ese campo concreto nominan un máximo de cinco candidatos. La academia al completo vota en secreto cuál será el ganador y los resultados se hacen públicos en una ceremonia formal cada primavera. Desde 1928 a 1929 se retransmitió una hora de la ceremonia por radio, de 1944 a 1969 se radió la ceremonia completa. Las transmisiones por televisión de la entrega de premios, que comenzaron en 1953, se han convertido en un acontecimiento popular con una audiencia mundial.

La academia también apoya la investigación tecnológica, gestiona una biblioteca de material relacionado con la cinematografía y publica boletines con fichas de productores, actores, guionistas, directores y otros para su uso en oficinas de producción. La sede de la academia se encuentra en Beverly Hills, California, USA.